Yoshitomo Nara y el lado oscuro de la ‘ternura’ japonesa

Cortesía de Sally y Ralph Tawil/Fundación Yoshitomo Nara, el artista «más famoso» de Japón y otros. está subvirtiendo la famosa estética «kawaii» del país para cuestionar el mundo en el que vivimos. Hace más de mil años La emperatriz Fujiwara no Teishi de Japón, Sei Shonan, una de sus damas de la corte, le regaló a Sei un paquete de papel de alta calidad. Sei provenía de una familia literaria. Utilizando estas páginas, anota observaciones de su vida diaria en una colección ahora conocida como The Pillow Book (1002). En una sección, Sei enumera objetos «lindos» o «usuku» Shi, desde gorriones bebés que «saltan». niños “aferrados a la persona que los recoge” a “pequeñas cosas”, cortesía del Museo de la Fundación Rubell/Yoshitomo Nara Noche sin dormir (sentado) (1997) – Las figuras de Yoshitomo Nara se desvían de los ideales comunes de “ternura” infantil (Crédito: Museo Rubell/Fundación Yoshitomo Nara) Como hoy El libro es visto como una ventana a la aristocracia japonesa del período Heian (794-1185). Las ideas de Sei sobre lo que es el uzukushi todavía resuenan en la gente de hoy. Se considera uno de los primeros ejemplos de la cultura japonesa «kawaii», aunque la palabra «kawai», que significa «lindo», no es un término. Era parte del vocabulario del país en ese momento. “Todos los elementos de la lista son cosas que nos parecen lindas hoy. Esto es sorprendente porque la sociedad en Japón es muy diferente a la que era hace 1.000 años en Japón”, dijo el profesor Joshua Paul Dale de Tokio, que se especializa en el estudio de la ternura en la Universidad de Chuo y la estética linda que existía incluso antes de la palabra lindo. Existió”. Una ola de artistas contemporáneos ha utilizado aspectos de la ternura para combatir el trauma personal, nacional y global. Lo que conocemos hoy comenzó. en Japón en la década de 1970 y el fenómeno se hizo conocido en todo el mundo. y es reconocido mundialmente por su estética colorida e infantil que se encuentra en la moda, el arte (especialmente el manga) y los recuerdos cotidianos. Pero cuando la corriente se expande Muchos artistas contemporáneos del país han utilizado aspectos de la ternura para crear pinturas que exploran diferentes caras de la sociedad o luchan contra traumas personales, nacionales o globales. «Hay muchas categorías híbridas con las que se experimenta y que alteran la estética encantadora», dijo el Dr. Meghan Catherine Rose, socióloga cultural de la Universidad de Nueva Gales del Sur en Cyndiy. Se dice que estas obras de arte emocionalmente complejas a menudo traen “Expresiones aparentemente diferentes se unen para hacer El sonido de la disonancia cotidiana.” Ryoichi Kawajiri/Cortesía de Blum & Poe/Pace Gallery/Y. Nara Foundation/Blum & Poe/Pace Gallery/Yoshitomo Nara Foundation) Uno de los ejemplos más difundidos es Knife Behind Back (. 2000) del pintor japonés Yoshitomo Nara, que se vendió por poco más de 25 millones de dólares en Sotheby’s de Hong Kong en 2019. Descrito como «el artista japonés contemporáneo vivo más famoso», la pintura representa uno de los retratos más identificables de Nara. niña con párpados dobles Cabello castaño corto con un vestido rojo. y frunció el ceño, casi amenazadoramente. Esta obra es parte de una colección de obras similares que Nara ha realizado a lo largo de décadas. “La joven de Nara es una figura de opuestos”, escribió el historiador de arte Yiwan Khoon en un artículo de 2020, señalando que Nara creó “Un grupo de individuos intolerantes que se comportan de maneras que se desvían del ideal general de ternura a través de su agresión. “Irreverencia y sabiduría”, como dice Nara. Aunque eso no resulta evidente con sólo mirar su trabajo. Pero también estuvo influido por Constantemente hace «cosas que no tienen nada que ver con el arte», le dijo a la BBC el día de la inauguración de su retrospectiva Yoshitomo Nara, que se exhibirá en el Guggenheim Bilbao en España hasta noviembre. En cambio, Nara encontró inspiración en sus aventuras, “como visitar un campo de refugiados sirios. o ir a Afganistán”, dice, explicando que durante la década de 1990 pintó alrededor de 120 cuadros al año, utilizando su práctica para transmitir las emociones que le costaba expresar con palabras. “Empiezo recordando los sentimientos y emociones de mi infancia. pero yo lentamente Empieza a mirar más lejos Aprenda sobre la sociedad y viaje a diferentes lugares”. David Parry, PA de Somerset House Una reciente y cautivadora exposición en Somerset House en Londres exploró los conceptos culturales circundantes. Agradable y lindo (Crédito: David Parry, PA de Somerset House) Aunque Nara dice que sus experiencias al crecer fueron positivas, Su trabajo se inspiró en gran medida en el aislamiento que sintió después de la Segunda Guerra Mundial en Hirosaki, un pueblo más rural, a más de 400 millas de la capital del país, cerca de una base aérea estadounidense. Sus dos hermanos eran siete y nueve años mayores que él. Y según Koon, debido a los «rápidos cambios económicos y sociales» en Japón, sus padres tuvieron que trabajar en trabajos exigentes. Por lo tanto, Nara a menudo se quedaba sola en casa. “Crecer como un niño de posguerra en la zona geográficamente marginal de Honshu. cual es la isla principal de japon Dio forma a su sentido de identidad”, explica Koon, señalando que Nara «Está específicamente relacionado con las personas que vienen o son trasladadas a la zona fronteriza», añadió Dale. “A los artistas les encanta la complejidad. Por lo general, no quieren despertar emociones simples en las personas, por lo que [Nara] Tome el kawaii que flota por todas partes en Japón y agregue algunas otras cosas. [emotions] El arte moldeado por la experiencia de la posguerra también está asociado con el movimiento Superflat en Japón, un término acuñado por el famoso artista Takashi Murakami a finales de la década de 1990 que utilizó Superflat para describir la ola de artistas que combinaban el arte elevado y el bajo. juntos En particular, las obras combinan lindos patrones e inspiración del manga, que era popular en el Japón de la posguerra. “La Segunda Guerra Mundial siempre ha sido mi tema. Siempre pienso en cómo se puede reconstruir la cultura después de la guerra”, dijo Murakami al New York Times en 2014. Tan Tan Bo – In Communication (2014) de Murakami presenta dos versiones visuales del personaje icónico del artista: Ese es el Sr. Dob, un Mickey Mouse. Personaje inspirado con dientes afilados. En Tan Tan Bo, el personaje muta casi por completo en dos tipos malvados. Criaturas con ojos de borracho y dientes oscuros como montañas entre las que parecen vivir otras criaturas. Getty Images/Cortesía del artista Takashi Murakami El trabajo del artista Takashi Murakami se exhibe en el evento de diseño de 2020. Él ordenó la palabra ‘Superflat’ (Crédito: Getty Images). / Cortesía del artista) como dijo Murakami Tan Tan Bo – En Comunicación Fue creado en respuesta al Gran Terremoto y Tsunami de Tohoku en 2011, que luego condujo al accidente nuclear de Fukushima. Para muchos artistas gente en este pais Este período fue un momento importante en su cultivo. porque lo es “Es una oportunidad para que los artistas japoneses consideren el potencial social y curativo del arte”, dijo el investigador cultural Hiroki Yamamoto, ahora curador de Japón, en el pabellón de la 15ª Bienal de Gwangju. A lo largo de la década de 2010, una generación dominante de artistas japoneses contemporáneos produjo obras que examinaban críticamente la historia. La historia histórica (y en gran parte olvidada) del imperialismo japonés y la dominación colonial durante la Segunda Guerra Mundial, y el ‘legado’ que esta historia ha creado en el «Japón de hoy», algo que la obra de Yoshitomo Nara comparte con otras. Lo que esto demuestra es que la ternura se puede utilizar como herramienta para cuestionar el mundo en el que vivimos. Aya Takano, una de las artistas más respetadas del movimiento Superflat, señala que en el pasado Su arte en Fukushima fue «realmente superficial», pero considerando Japón más allá de las ciudades, creó obras que Su pintura de 2015, The Galaxy Inside, apareció en Cute, una exposición sobre la ternura y la cultura contemporánea que se exhibió en Somerset House en Londres en 2015. A principios de este año Muestra a una mujer andrógina con los ojos muy abiertos flotando en el espacio entre lindos planetas y animales. -Como un ser vivo Algunos estaban encadenados. pero sigue sonriendo Dijo que sus pinturas exploran la crisis climática. Considerando un mundo en el que el hombre y la naturaleza existen en paz, Sally y Ralph Tawil/Fundación Yoshitomo Nara Desaparecidos en acción (1999) de Yoshitomo Nara es una de las obras actualmente expuestas en el Guggenheim Bilbao (Crédito: Cortesía de Sally y Ralph Tawil. /Fundación Yoshitomo Nara) Según la socióloga cultural Dra. Megan Catherine Rose, el kawaii también ha sido utilizado de esta manera por artistas feministas nacionales. “El kawaii como estética sexual se ha utilizado durante siglos para preservar y presentar el cuerpo femenino como un objeto bello. de la misma manera que las mujeres son tratadas en el arte tradicional europeo”, dijo, y agregó que las feministas japonesas contemporáneas a menudo usan su arte para “Interrogando la cosificación del cuerpo femenino”, señala Rose la artista japonesa radicada en Estados Unidos Mizuno Junko, describiendo su “figura femenina como horrorosa. Está diseñado para repeler la mirada masculina heterosexual mediante la repetición. exageración Vale la pena señalar que, aunque Nara está ambientada en un mundo de pinturas lindas pero aterradoras, Pero el propio artista no necesariamente está de acuerdo con esta asociación. Le preocupa ser incluido en cualquier canon o movimiento artístico específico, como Superflat, Kawaii o Cute, aunque entiende por qué otros lo asocian con estas cosas. “Hay personas que están superficialmente influenciadas por mis pinturas. Y tal vez piensen que es lindo”, dijo. “Probablemente no tengan ningún deseo de ir a un campo de refugiados o participar en actividades contra la guerra. [like I have]- Si me pidieran que hiciera un dibujo lindo, podría hacerlo, pero sería completamente diferente de lo que estoy dibujando. Lo que mucho demuestra es que la ternura se puede utilizar como dibujo. Una herramienta para hacer preguntas sobre el mundo en el que vivimos. Incluyendo los tiempos más oscuros Esta es una práctica que muchos artistas japoneses han dominado.